The Brattle erkundet „Barbies Wurzeln“ in einer neuen Retrospektivserie

Mit Abstand der witzigste und filmisch gebildetste Film, der jemals für die Vermarktung eines Plastikspielzeugs gedreht wurde. Der Kassenschlager „Barbie“ der Autorin und Regisseurin Greta Gerwig ist ein Überraschungsfest für Filmfans, vollgestopft mit so vielen Anspielungen und Hommagen an klassische Filme, dass wir Kritiker Ken könnte die gesamte Laufzeit damit verbringen, alle Referenzen zu erklären. Eine unterhaltsamere Alternative gibt es diese Woche im Brattle Theatre, wo uns die genial betitelte Retrospektive „Barbie's Roots“ durch einige von Gerwigs künstlerischeren und unerwarteteren Inspirationen für ihren milliardenschweren Blockbuster führt.

Wir bekamen alle im Prolog die Parodie „2001: Odyssee im Weltraum“ mit – na ja, vielleicht nicht alle von uns, denn die Szene schien die Menge der Tweens bei einer Matinee, zu der ich meine Mutter neulich mitnahm, völlig zu verwirren. Aber ist Ihnen zufällig aufgefallen, wie ähnlich Barbies Morgenroutine der Gene Kellys in der Eröffnung von „Ein Amerikaner in Paris“ ist? Gerwig hat oft zugegeben, dass sie zum ersten Mal in Kelly verknallt war, und sein Einfluss ist überall auf „Barbie“ zu spüren. Besonders im Fall von Kens Traumballett, das bewusst sowohl an „An American in Paris“ als auch an „Singin' in the Rain“ erinnert und gleichzeitig die schwarz gekleidete Pop-and-Lock-Choreographie von Bob Fosses „All That Jazz“ einbezieht. Und ist Ihnen aufgefallen, wie der oft wiederholte Refrain des ultimativen Hinguckers des Fosse-Films („Ich glaube, ich werde sterben“) Barbies existenzielle Krise so prägnant zusammenfasst? Moment, wir übertreffen uns hier schon.

Inspiriert durch ein Interview mit der Social-Media-Seite Letterboxd, in dem Gerwig die Titel von 33 Filmen herunterzählte, die ihr beim Dreh von „Barbie“ im Kopf herumgerannt waren, stellten die Leute vom Brattle ihre eigene Liste mit 13 Bildern zusammen, die sie zum Ansehen brachten Rosa. Die Serie beginnt mit „Josie and the Pussycats“, einem Kassenschlager aus dem Jahr 2001, der dank eingängiger Melodien (gesungen von Kay Hanley aus „Letters to Cleo“ aus Dorchester) und einigen cleveren kulturellen Kommentaren zu einem Millennial-Kultliebling geworden ist. In der Adaption von Archie Comics deckt unser titelgebendes Girlgroup-Trio einen Plan bösartiger Plattenlabelmanager auf – Alan Cumming und Parker Posey, die in „Hudson Hawk“ Richard E. Grant und Sandra Bernhard amüsant nachahmen –, um unterschwellige Botschaften in Popsongs einzubetten, die aus Teenagern Menschen machen gedankenlose, konsumistische Zombies. Das Bild verfälscht eine Ära der unerbittlichen Werbung, indem es den Bildschirm mit Produktplatzierungen überschwemmt. Es ist eine raffinierte Art, seinen satirischen Kuchen zu haben und dafür auch noch bezahlt zu werden, was die sanfte Neckerei des „Barbie“-Films gegen die Muttergesellschaft Mattel vorwegnimmt.

Es ist fast unmöglich, Gerwigs Film zu sehen, ohne an die pastellfarbenen, melancholischen Musicals von Jacques Demy zu denken. Sein „Die jungen Mädchen von Rochefort“ aus dem Jahr 1967 ist die sprudelndste Kreation des Filmemachers. Die Geschichte handelt von zwei singenden Zwillingsschwestern (Catherine Deneuve und Françoise Dorléac), deren Kleinstadt-Blues sich danach sehnt, in die Irre zu gehen. Wie alle Leckereien von Demy ist es sowohl leichter als Luft als auch schwer fürs Herz: eine Geschichte von knappen Begegnungen und verpassten Verbindungen, die die wahre Liebe nah und doch so schmerzhaft fern hält. (Und hey, da ist wieder Gene Kelly als Amerikaner auf dem Weg zurück nach Paris!) The Brattle zeigt „Young Girls“ als Doppelspielfilm mit Demys großartigem Meisterwerk „Die Regenschirme von Cherbourg“ aus dem Jahr 1964, das Gerwig und der Kameramann Rodrigo Prieto studiert haben um zu sehen, wie viele verschiedene Rosatöne sie in einem bestimmten Rahmen stapeln könnten. Ich habe ehrlich gesagt Angst, diese beiden direkt hintereinander zu sehen, weil es wie eine Überdosis Süßigkeiten ist, die einen zum Weinen bringt.

Scharfäugige Fans des französischen Kinos dürften bemerkt haben, dass die Kabinen in Mattels Büro denen in Jacques Tatis „Playtime“ nachempfunden waren, während das restliche Diorama-Design und die auffälligen Kostüme des Films die kräftigen Farben und die bewusste Kunstfertigkeit aufweisen, die man erwarten kann aus einem frühen Bild von Pedro Almodóvar. Sein „Frauen am Rande eines Nervenzusammenbruchs“ von 1988 passt perfekt zu „Barbie“, in dem er einige zu Unrecht entlassene und spektakulär gekleidete Damen ins Rampenlicht stellt, die mit schwesterlicher Solidarität und gespicktem Gazpacho gegen das Patriarchat zurückschlagen. Gerwig und Margot Robbie sagten, sie hätten Barbies Persönlichkeit in „The Philadelphia Story“ an Katherine Hepburn angelehnt, eine Enthüllung, die im Internet mehr als nur ein paar Leute dazu brachte, zu behaupten, Cary Grant hätte einen Killer Ken spielen können. Da bin ich mir nicht so sicher, aber ich wette, Jimmy Stewart wäre ein großartiger Allan gewesen.

In der besten Szene in „Barbie“ wandert Robbie allein durch Venice Beach, erlebt die reale Welt und lernt zum ersten Mal, über ihre Schönheit und Ungerechtigkeit zu weinen. Ihr Dilemma erinnert an Wim Wenders‘ großartigen „Wings of Desire“ aus dem Jahr 1987, in dem ein liebeskranker Engel auf seine Unsterblichkeit verzichtet, um wegzulaufen und sich dem Zirkus mit dem hübschesten Mädchen anzuschließen, das er je gesehen hat. Peter Weirs „The Truman Show“ schildert ein ähnliches Szenario, in dem Jim Carreys Proto-Reality-TV-Star herausfindet, dass er sein ganzes Leben in einer Sitcom verbracht hat, und versucht zu fliehen. (Ich hätte auch „The Purple Rose of Cairo“ aufgenommen, in dem Jeff Daniels‘ schneidiges Matinee-Idol auf magische Weise eine Kinoleinwand verlässt und in das New York der 1930er-Jahre gelangt, nachdem er sich in eine Frau im Publikum verliebt hat, aber Brattle ist es Es ist heutzutage komisch, Filme von Woody Allen zu zeigen.)

Schließlich wäre es nicht fair, „Barbie's Roots“ ohne auch einige der Ursprünge ihres Regisseurs zu zeigen. Gerwig war keine Unbekannte im Brattle und besuchte 2007 das Independent Film Festival Boston mit „Hannah Takes the Stairs“, einer halbimprovisierten Liebeskomödie, in der sie die Hauptrolle spielte und die sie zusammen mit dem Regisseur Joe Swanberg schrieb und die man vielleicht am besten als Fußnote zur Filmgeschichte belassen sollte. Nachdem sie einige Jahre lang als „It-Girl“ der Mumblecore-Bewegung herumgesprungen war, gelang Gerwig 2012 mit „Frances Ha“ der große Durchbruch, in dem sie eine glühende Performance als Post-College-Außenseiterin abliefert, die versucht, sich schnell zurechtzufinden Das gentrifizierende New York City hat keinen Platz mehr für Künstler, die sich in Schwierigkeiten befinden.

Durch den Sucher kann man praktisch sehen, wie sich ihr Regisseur, Lebenspartner und Co-Autor Noah Baumbach in Gerwig verliebt, während Frances sich dem Erwachsensein nähert und zunehmend von Menschen umgeben ist, die „jünger, aber erwachsener“ sind. Genauso filmverrückt wie „Barbie“ imitiert „Frances Ha“ die kontrastreiche Schwarz-Weiß-Fotografie der französischen New Wave, komplett mit Jump Cuts und Ausschnitten aus Georges Delerues Partitur für Jean-Luc Godards „Contempt“. ” Gerwigs Frances ist flatterhaft, verantwortungslos und unglaublich liebenswert. Sie ist eine Puppe, die noch nicht ganz bereit für die reale Welt ist.

„Barbie's Roots“ läuft von Freitag, 1. September, bis Donnerstag, 7. September, im Brattle Theatre.